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时装行业所有个性鲜明的设计师中，被东方西方，主流先锋，业内业外公认列在第一档的，只有Yohji Yamamoto。整个人类的发展历程其实就是一部抗争史，从远古时期对部落首领的抗争，到民主觉醒对封建制度、上层压迫的抗争，再到当今人们对霸权主义、经济掠夺的抗争。徐克说：有人的地方就有江湖。有江湖的地方就有反抗。上世纪八十年代的服装行业，山本耀司在大洋彼岸的欧洲不满于欧洲主流文化审美的束缚，以其黑暗飘逸的设计美学掀起对欧洲文化的反抗，开先锋之鼻祖，公然地猛烈敲击时装业，宁业界哑然，将东方的禅意、美学推上世界舞台，改变了西方审美输出世界的局面。受到Mascarar_11 的文章启发，本人在此尝试着呈上一份探索yohji美学的指南。

A ：Avant-garde（先锋）

怎样定义先锋？先锋与高定的关系？亦或者“先锋”“工匠”“暗黑”这些词的具体区别？时至今日在服装领域没有权威对其做定义与区分。有人认为Rick Owens不够先锋，因为其商业化程度过高；也有人认为Carol Christian Poell、Elena Dawson这类品牌在今日能称得上先锋，因为其不参加时装周和与更新换代越来越快的时尚界相左的匠人精神。大众对于先锋的理解无外乎物料工艺上的前瞻性实验性以及呈现风格上的对主流的反叛。

“所谓先锋订制，并不是全盘否定高级定制，而是学习他的技术并加入新的注解吧。”先锋鼻祖山本耀司在接受采访时说道，“将其转化做自己的武器……这些年做前卫服装的人，都苦于省缝技术。我也是时隔10年再次省缝，才领悟到学生时代未曾留意的意思。”

B：Back（后背）

“对我而言，女性从肋骨到腰，再延申到臀部的线条，像蛇一样扭动的部分是最有魅力的。相反，胸部和臀部我就比较无所谓了。”

而于服装中，背部的线条被山本耀司称为“躾线”。服装设计初期，山本习惯先从这一条线做起，由其展开至其他部位。“不能好好完成后面，前面就根本不能成立。”

C：childhood（童年）

山本耀司生于战争年代，一岁时父亲便应征参军，后战死于菲律宾东方山地。对政府的不满在年幼的耀司内心萌芽“你们干点靠谱的事吧”。居住在歌舞伎町时，当地的黑社会、流氓与美国大兵之间的反差使得他从小对美国更加好感。一次路过电话亭，看到一个妓女摸样的女人嗲声嗲气地打电话，小腿因为高跟鞋而隆起，从此山本对高跟鞋报有恐惧。故而在yohji的秀场中极少有高跟鞋的造型。

D：Dark（暗黑）

谈及yohji yamamoto总是离不开黑色这个颜色，山本耀司说“黑色是一切颜色的尽头”。然而早在上世纪80年代的欧洲，人们依然认为黑色系服装只适用于丧事穿着。初入巴黎的山本耀司使用不同色感的黑色系面料、宽松的剪裁方式对衣服进行拼接，成功地在被认为单调的黑色系服装上展现出无与伦比的层次感，他坚信打破这种西方约定俗成的所谓和谐的着装理念才是美丽的。

“织部黑”是陶艺家古田织部创造的陶艺色彩。一次，他在伏见家烧制了一个不对称的茶杯,被人取笑,为茶杯取名“怪器””。 就在这件事发生不久之后，他创造出了这种大胆的“提拉出来的黑色”。这种黑色呈现在茶杯上，比其他任何黑色都更深、更浓。古田通过在器物表面加上大量釉料，烧制时确保黑色已经被提拉出来，进而创造出这种特殊的、漆器般的色彩。耀司的黑色和这种大胆的“提拉出来的黑色”相似， 只是他的黑色不是静态的，而是充满动感的黑色。

E：edge（边缘）

“我的设计不是给商人，是给那些outsiders(边缘群体），例如需要帮助的人或者艺术家，他们没有靠拢任何团体，而是独立或者孤独的群体……因为我也是其中之一。”

以及...exclusive store（专卖店）

中国大陆目前yohji yamamoto（主线）的专卖店有两个：成都太古里店和宁波阪急店，深圳有一家在装修。

F：fetter（束缚）

2012年的秋冬时装发布会，在展会做到一半时，山本耀司突然对长久以来被外界冠以的“剪裁之王”这列称号感到厌倦，干脆舍弃了任何剪裁，只用一块布包裹作为主题，即衣服脱下铺在地上仍是一块完整布料。多来以来，观众早已了解山本的反叛、内敛。为了打破这种格局，山本在这场秀中做出了“反yohji”的“反时尚”：模特穿着性感、贴身的服装，踩着山本一直以来厌恶的高跟鞋，摆出钢管舞女郎一样的撩人姿势……

G：great master（大师） 

援引山本耀司的话来说:“我总是唱同一首歌。有时候调子会变，但总是一样的。”这首“歌”便是黑色华达呢，自从他SS85首季Pour Homme以来，经过了上千次的重新混音和灌制。他的设计以从身体上脱落般的宽松剪裁为特征，暗示着一种慵懒的性感，这种概念通常只存在于女装中。当他在AW98上只选了女性(不同年龄、体型和种族)作为模特时，这种概念得到了最充分的体现。Vivienne Westwood、Charlotte Rampling和Inès de la Fressange穿着超大号外套和夹克漫步t型台，微笑着向观众点头，就像在林荫大道上调情的放荡小伙。没有必要口头大声疾呼女性赋权，Yohji让服装来发声。

SS85 Pour Homme令人惊讶地出类拔萃，让廓形来说话。衣着朴素、散漫、毫无魅力可言，有些透明的衣服，轻得一长排像从身上飘走。没什么技巧，也不怎么夸张。外套、夹克、衬衫和裤子都是经典款，但都很细长，没有当时男装的僵硬感。它们拥有一种微妙的感官享受，在运动和形状上。这场秀大获成功，在现代性与浪漫主义间取得了罕见的平衡，并让Yohji在随后20年大部分时间里成为男装设计师的代表人物。

H：HEM（山本耀司第二张唱片）

5 年前第一张唱片《不得不走了》那时的他默然地唱着当时自己的心情， 这一次也几乎没什么改变。1992 年高桥幸宏在担任唱片监制的时候，曾经请他按照正确的音阶和 节拍来唱，但这一次，铃木庆一却无视了这些，让他更自由地、更自我地去发挥。 但那首曲子仿佛完全没有节拍一般，“正确的节拍是怎样的？”高桥幸宏就这样一边问着庆一,一边唱完了。耀司用了相当破坏性的方法去唱，而幸宏则尽量忠实地按照正式的旋律去唱，然后和耀司唱的组合起来，真是非常出位的尝试啊。不过最重要的是，除去了山本耀司这一“品牌”，现在也没人能够做出这样的音乐了吧~要怎样才能把这信息告诉给大家呢？ 这次的唱片基本是低保真（Lo-fi)，混音也很出色。但依然要说它是歌 词的世界。离朗读诗歌的感觉很近。说是这么说，但并非没有节拍。摇 滚乐也应该带着歌词来听，这样的听众也该逐渐成为主流了。地下丝缄、 鲍勃·迪伦，像他们那样，歌词的世界即使没有旋律也可以独立存在。这样的音乐家日本还没有过。总是要在哪里加上流行乐。这件事是很重要的，但还不仅于此。是歌词“清晰确立了什么”才是山本耀司的音乐。歌词作为音乐来传播，一般都是对外的意识，但yohji的歌词世界，却是有着对内的部分和对外的部分，两者微妙地交错从而形成 了一个独特的世界。 作为唱片公司的人,想到要去“销售”这张唱片时,耀司先生肯定是“特异” 的存在。所以也会有特别容易和特别难的地方。比如因为他是平常很少 出场的人物，所以这张唱片他只要说：“我来”，就会吸引很多媒体。但 若是只在电台播放这些音乐，却可能无法完全传递出它的精彩之处。耀司的生活方式、氛围，以及“设计师耀司=音乐人耀司”的关键点，要 如何联结起这些内容就显得特别重要了。当然耀司本人肯定会说无所谓， “我可是被大家严格培训过才出道的新人呢”。而其实，这个世界早就决定了如何才能大卖的模式。

I：implicitness（内敛）

伊丽莎白·帕依说：“耀司的服装酝酿出的魅力是宁静、神秘，不是暴露而是联想。”这一点在2019年秋冬秀场中很好的展现：

五位全身用黑色布料遮蔽只露出眼睛的女性同时出场，缓慢地走到前台后，沉寂许久，其中一位解开了遮蔽——面纱垂下成为裙摆的一部分，露出了维多利亚式紧身胸衣，凌乱头发下的朱唇与深蓝色的眼眸引人注目。面纱的灵感源于17世纪利马被称为Tampa da Limeña的女性们（来自17世纪的利马女子用蒙面只露出左眼来引诱男人。利马是秘鲁首都，16至17世纪时曾是西班牙在南美洲的总督驻地。），为了塑造神秘感以吸引男性，除了左眼外，其他所有部位都用黑色丝绸覆盖。我的理解是，真正的美不需要高定服装的漂亮裙摆、诱人的深v领，不需要Balenciaga的爆款弹幕丝袜，也不需要Valentino那样细长的“攻速？”高跟鞋。即使用长袍遮住所谓性感的曲线，仅仅露出部分脸庞，观众依然能感触到属于yohji的“从无造作到苦涩，虽苦涩但美不可挡”。

J：John cale（作曲家）

“无论是作曲家还是设计师，直到创作的最后一刻还在不断 更改答案，而完成的作品却必须给人以冲击力。这是作曲家 和设计师之间共通的一点，而我和耀司的共鸣更强烈。已 经放弃了形式的人，不会参考即有的概念，其作品的提案 也很特别。耀司就是这么做的。所以他的衣服很具冲击力。” 1965 年，约翰·凯尔、娄·里德和尼科  组成了神话摇滚乐队——地下丝绒乐队。古典音乐出身的他们却和时代宠儿安迪·沃 霍尔一起，在前卫的最前线向社会投放了反道德的炸弹。凯尔所说的“放弃了形式的东西……”这句话本身就带着和山本耀司如出一辙的、不可动摇的说服力。 凯尔满溢着神采的眼睛，一次也没有露出过的笑脸，穿上山本耀司的衣服之后越发显得轮廓分明，甚至让人产生出某种崇敬之感……1991 年 6 月 1 日，约翰·凯尔在舞台将它展现了出来。

K：Kitano Takeshi（北野武）

山本耀司与北野武相识于一次杂志对谈。一天山本耀司在酒馆和朋友喝酒时偶遇了北野武和他的武军团，众人唱歌娱乐累了后，北野武向山本耀司讲起了正在构思拍摄的新电影《玩偶》。“太棒了，真是个好故事！”山本耀司随后担任了这部电影的服装设计。随后的《大佬》、《座头市》等电影中也有山本耀司参与设计。

L：layer（层次）

在21fw季中，Yohji在女装中借鉴了19世纪紧身胸衣、箍圈、裙摆等服装的制作技术，将女性的身体塑造成柔和的轮廓。

整个Look简单干净，基于修身长裙，或是前面设有不对称口袋，或是四面挂着剥落未落般的嵌板。耀司主动给人留下“未完成的印象”，似乎乐于借服装来传达“正在制作中”的感觉。沿着镂空拧出边缘垂坠的白绳、折纸状的条状折痕/活褶/三角结构、看似多余面料堆积而成的裙子延伸出白色包边，西服口袋处向下延伸出长摆，以强调“边缘”。

Yohji总有办法在一片黑色中做出明显视觉效果的层次出来，并屡试不爽。在他的造型中画不出分明的线条，只能圈出大致的轮廓。于内省中表诉对女性美的理想化，将女装的无限潜力以一幅展现无限旅程的风景画呈现在世人面前。

还有……Lamborghini（兰博基尼）？

M：monotone（单色调）& Mcqueen

“这个城市已经有太多颜色、图案，对我而言都是喧嚣，所以至少我自己选择穿monotone……这只是我对时装的本能反应。主流的力量太大以至于我们失去那些有独特个性的人。自从mcqueen逝世，已经没有人，至少还未有人为时装而战。使我悲伤的是，至今没有一个让我景仰的人。这使我感到孤独……”

N：neckline（领口）

Yohji的衣服一直以来很少有圆形的颈部线条，用山本自己的话来说就是“觉得做不好，不想让让大家看到像T恤一样的东西”。山本耀司做衣服的理论无外乎外套、大衣的理论，重要的是衣料的重量和垂顺性：以两肩的基点，从后脖颈的点连接到另一点。好像挂在绳子两端垂下的晾晒衣物般，垂下的布料和脖子呈现出的和谐。山本耀司曾称赞sonia rykiel和CDG的颈部设计出众。“意识到女性抬头挺胸时流露魅力，并强调平纹编织结点的就是sonia。”老头子这样称赞sonia的v领。用面料拼接出的V领与在布料上直接挖一个V领不同，sonia精心计算了编织物的张力和弹性，完美的处理好了领口横向的牵引力与保持V型的向下垂直力，才做得漂亮。CDG则是采用了像套头衣得领口一样不设防设计，随性剪裁而出。“CDG的衣服基于哲学而诞生，它没有去挑战这种危险，而是羞涩、悄悄地开了一个洞，这也很有魅力。”

P：Pina Bausch（皮娜·鲍什）

“她是真正的美女”

1989 年，皮娜·鲍什与乌帕塔尔舞剧院访日公演的当日，舞台上装饰了一万多株康乃馨。 现代舞蹈？剧目演出？难以归类的皮娜的世界。 终场后，观众们挤满了大厅久久不愿离去，充满了对于完美舞台的陶醉。 在这人群中，也有设计师山本耀司。 1989 年 10 月23 日，舞剧院在大本营德国的乌帕塔尔举行成立 25 周年的活动。 从世界各地赶来参加的舞蹈团体、知名音乐艺术家中，也有山本耀司。 就在众人预测应该开始舞蹈与时装的合作演出时，他却带来了出人意料的表演。 着空手道服登场了。占据了他人生的重要组成部分的空手道，和时装一同与舞蹈平分秋色， 展开了一场全新的跨界合作。

2009年6月3日，碧娜·鲍许逝世。

2011年3月，山本耀司在伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆举办的展览会上展出了一条为纪念pina而设计的裙子。

那条裙子的背面非常美丽。

R：revolt（反叛）

“一个人在无休止的重复和对经典的研究之后，便可以推翻现有体制，这无异于发动一场战争...经典永远经得住时间的考验。”

对于山本耀司来说，时尚只是对自己活着的时代与社会的反抗。

1943 年出生于东京的山本，经历了庆应大学的法学部的学习，后在文化服装学院学习设计，转而进入时装领域。带给他最大影响的女性， 莫过于在新宿经营西式裁缝店，独自一人将他带大的母亲。深夜手持针线依旧在工作的母亲的背影，就是山本理想中，站直身姿走入社会 的女性原型。所以他从心底厌恶让女性受尽辛苦的男性社会，也讨厌为了安定而放弃自由的女性。 将女性作为装饰对象的时装美学，与将女性锁在家庭之中的社会体制， 归根结底要回到 19 世纪西方的布尔乔亚社会，山本的批评首先要做的，就是如何将西方造型破坏掉，如何使之从以往的价值观中跳脱出来。与此同时，也对于盲目追随欧美文化的日本人做出的挑战。不对称、直线裁剪、超码、使用本土衣料等意圈，不仅是对西方的一种反命题，也同时是针对不自觉想与欧美一体化的日本时装界现状的一种批判。现在看来，那个时期的yohji的廓形是很繁复的。缝进布料里的意义也留下了高声主张的印象。 

1980年代后半段到1990 年代前半段时期，山本将重点转修到了对现代主义的内在批判中去。 1982 年以后在巴黎时装发布的成功，开拓出了新的舞台。也就是理解、共鸣者的增加，超越了国籍的界限。同时确立了在日本国内 Y's的评价。另一方面，1980 年代的 DC的风潮将山本等前卫 派设计师吞没，在他们的设计中所要孕育出的文脉与意图被遗忘，反而被大量模仿和复制。在经济泡沫中狂躁的日本，山本再也看不到本该被衣服所包裹的女性，和女性身体之美相比，山本转而从更全球化的视点去再构筑新的方向。 

后现代文化是一种可以作为所有设计的记号通用的、“什么都有”的状况。它从既定的权威、传统、历史中带来了解放的自由，但价值相对 却连接到了迎合自甘堕落的流行，发展成了这样一种事态。

 山本对于这样的风潮也在反抗，他所尝试的是追求女性轮廓的绝对平衡，从而再次思考近代时装。他将近代服装的原型认作是定制式西装外套。定制西装在兼顾活动性与功能性的同时，也在明确构筑出身体的意义，这一点正是现代主义的原点。山本通过再构筑西洋身体象 征的定制裁剪，创作出新形态的美学。 

山本并不想去沿袭西方的传统，反而是将迄今为止的各种失败错误的设计实验，逆插到现代主义中去，确立了东西方境界模糊的、混合的身体美学。这是深入到现代主义的内部，通过组织构造来从内部突破 时装的界限。这里的问题并非“日本－西洋”、“和服－洋服”这样的对立图式。对于爱读坂口安吾作品的山本来说，折中主义可以说是生活者的思想。山本将西方时装的现代主义进行咀嚼。在和服设计中引入了自 己的风格。而山本也终于从“日本风格”这一桎楼中逃了出去。 

Yohji并不是第一个对当今时装界的体制和现状表示不屑的设计师，对这位巴黎时尚界的OG来说，很难接受如今踏踏实实制作漂亮的服装是整个时尚历程中最不重要的一部分。他把模特塑造成“游击战士”的想法传达了这样一个信息：他还是40年前那个不愿墨守成规的反叛者。即使上了年纪，创造力也已呈疲态，但Yohji的魔力在于，即使塑造的形象还是那些形象，东西还是那些东西，可就是奇怪地看不厌。Yohji是一种美学，你要么喜欢，要么不喜欢。

S：so en（装菀奖）

25岁的山本耀司庆应义塾大学法学部毕业后，进 入文化服装学院。经过师范科后进入设计科，以 最高分获得过上一届[第 24 届]的日立奖，实力得到了高度的评价。 得奖作品是灰色金吉拉兔毛和白色双层乔其纱的组合式大衣裙。 在衣料上剪裁出的皮草现代风格获得评委好评。评审中的中村乃夫更是对他做出了“设计界的重量级新人”的极力称赞。年轻的山本耀司则高兴得满面通红，发表了得奖感言，“ 今后也要继续磨炼设计的感觉”。 

T：Y-three （Y3）

已被誉为大师的山本耀司在纽约、巴黎、东京的街头观察路人时发现有很多在运动跑步的人。“是时候关注身体健康了”山本耀司这样想着，给阿比巴斯打了一通电话：“I want to work with your company.”此时的山本耀司渐渐对制作漂亮的时装感到无趣，而设计运动服装变得这么具有吸引力。很快，Y-3成立，至于3代表什么，有人说是三条杠的体现，老头子本人说自己联想到的是作为运动员的自己——yohji NO.3.

U：suzume_Uchida（内田雀）

内田毕业于筑波大学艺术专门学群设计部，她的创作媒材多元，有墨色、水彩、炭笔、油画等，画中的人物充满日本传统幽灵画的鬼魅感（她曾获得2014年幽灵画展大奖），同时又融入现代女性的病态与怨念。曾经在美术杂志看见内田的一幅名为《勾勾手》（ゆびきり，2016年）的女性肖像，画中强烈光影对比的幽暗空间裡，一名半裸上身的女性，微微含首低头，眼神吊吊直视上方，在顶光的照射下，髮丝遮掩的脸庞，露出诡异的笑容，她伸出小拇指，似乎正在与画面外的观者进行一场「倘若违背约定，我就杀了你再自杀」的扭曲交易，又或可作为观者内在的镜面投射。后来，连结到内田的官方网站以及阅读她的相关报导，才了解原来这幅作品是她的自画像，也是出自她饱受厌食症与忧鬱症困扰的真实经验。

山本耀司的男装发表会上，总共採用了七件内田雀的作品，包括五件旧作《勾勾手》、《厌食与自爆》、《蜻蜓之夜》、《红色果实》、《业火》，以及两件特别为发表会所绘制的《太阳之子》与《今宵椿》。这些图像分别拓印在宽鬆的长版外套上，随著皱摺的摆动，女性若隐若现的脸庞，更显恍惚与神秘。山本耀司刻意在男装上运用具有强烈女性心理意涵的肖像，或许是希望呈现出一种对话关係。他曾开玩笑的说：「我想表达女性有多麻烦、多吓人。」但实际上，新装发表会围绕在佛教与轮迴的主题，画中女性的怨念与扭曲价值观，同时也倾诉著重生的想法。

V：value（价值）

Yohji出现之前，大众一直都是以西方服饰史的观点来看衣服的。在看到山本耀司衣服的价值后，更多人颠覆了自己以往的西方服饰观：服装并不是必须贴合穿着者的身体。这样的服装里仿佛看到了日本和服般垂顺的、带有褶皱的元素，这些技巧可能就是源头。但并不会让人觉得这是明显的日本式。但绝对不是“蝴蝶夫人” 那种的，也不是安土桃山式的。他的衣服朴素简单，但又和茶道一样非常简练。从中可以看到他的衣服被认为艺术和知性的原因。 耀司的衣服常和同时代的设计师川久保玲做比较。两人的共同点在于， 都为西方服装带去了众多重要的影响。川久保玲的服装倾向于破坏和不对称，很重视质地。从我的角度来看，耀司却没有对于服饰史的偏执，看到他的婚纱系列时，使人感觉裙装的整个历史都浮现到了脑海里。

无论耀司和川久保玲哪一方，都将日常穿着的衣服朝着前卫先锋的方 向一步一步推进。虽说是前卫，但并不会无法在日常生活中穿着或是穿着去工作。这也是我佩服耀司衣服的地方。他的衣服看上去很奇妙，但实际上却很好穿。从这个意义上 来说，他的衣服对美国时装也带去了很大影响。并非他在美国市场成了主流，而是他的衣服填补了大众市场和前卫先锋之间的鸿沟，起了桥梁般的作用。 另一个让人佩服的地方是对运动服的组合方法。 对于一个被称为先锋鼻祖的设计师来说，运动服是“不怎么好玩”的。因为是生产的要求，所以说没办法革新，连试一试也不肯就一口回绝的人也很多。但耀司和阿迪达斯的合作，实际上是挑战运动服究竟能变得多有趣。并且他也找到了自己的答案。能做到这些也是因为，他对于制衣有着自己原创的独特的思维方式。 如果问过去是否也有和耀司一样的设计师？那答案肯定是没有。香奈儿和迪奥也有所不同，阿玛尼在 20 世纪的时装史中和耀司一样，是具有冲击力的设计师。阿玛尼以解构主义风格外套留名。而耀司乍看很普通其实决不平凡的外套，则是经过精密 计算的重量与构造。他们都转变了世人对待时装的看法。在这一点上， 这两位设计师非常相似。

W：wind（风语花）

半年前的女装秀中，目睹同期的那些“竞争对手”们相继离世和隐退，因此对时间有了一定概念的Yohji-san“以20世界末期（的Style）与19世纪抗争。”
半年后的他似乎也没意识到：距离上世纪他来到巴黎准备“投下一颗炸弹”已近40周年。“（真的）就快到了？”他惊讶了一下。这种“滞后”无可厚非，“（一个人的）时间总会到头，但有时我感觉它无穷无尽，”毕竟他已经执着地在巴黎办了上百场秀了。

“委婉内敛”“禅意”是以Yohji-san为代表的东方先锋派常被贴的标签，在廓形上甚少分明的冷峻线条，更偏圆润飘逸，讲究人与周围空间的互动。
本季也一如既往——亚麻粗布质感面料制成的连衣裙，要么直接打结垂坠，要么编成辫子状围绕在身上，有些做成了黑白拼接/缠绕；褶皱不单止是由重力所形成，还有揉纸团般的形变，或者说是叶脉般的纹路，点缀着些许刷漆做旧。

简约的细长廓形Blazer也不乏新意：Blazer和西裤结合为连体衣；工整如用尺画的白色装饰缝线，固定着看似裁余的无用面料；战壕风衣的腰带结构上移至胸部，模特处于一种手臂被系带所“束缚”的状态。
它们并非Carol Christian Poell那种线条分明的硬挺，如同一阵柔和的风，配合着模特们迎面走过时背对擦身的那一瞬，观感尤为舒适。不论是男装的长下摆还是女装的裙摆，Yohji的服装随风而动所带来的美感上的加成令人过目不忘。

即使塑造出来的还是那些似曾相识的形象，Yohji还是会不守常规做出一些新的呈现。
从现代鸭舌帽身和古典超宽沿遮阳帽的结合开始，衣领、下摆等服装边缘区域以及各连接缝线处，像是拼命吸取养分的植物一般，“野蛮生长”出如同叶子和花瓣般的细长部分逐步包裹住身体，应该是在面料背面或夹层中缝入了金属丝以抵抗重力固定和随意塑形。

若从另一个角度“燃烧”来看，这些叶状层次也可以解读为物体燃烧一瞬间的扭曲状态；半暴露的金属丝缠绕而成的简易裙撑是完整服装燃烧时渐渐露出的内部骨架；特别是最后一个全黑Look，相比于“花瓣/枯萎落叶随风而动”，“灰烬随风逝去”显得更为贴切。

正如AW19季度重现Tampa da Limeña 和AW20季度古典与现代结合的蓝黑交融，Yohji女装秀场的最后一幕总是“punchline”。四个不同程度叶状层次着装的模特一齐出场，全白色系中淡淡地沾染了些许紫色、蓝黑色、黄色。
“我不是一个传递强烈政治信息的艺术家，我只是想站在人类这一边，即使人类并不总是善良的。”Yohji-san一如既往的含糊其辞，与谢幕时那件“没有任何寓意”的“玻璃心（Heart of Glass）”外套一起，继续成为“一千个观众眼中的一千个山本耀司”。

人类无法感受到风的形态，但是借助外物却可以，花瓣随风而散，叶子沙沙而落，伴随几片旋转落地的枯叶。那年盛夏再灿烂，也长不过一声叶落。他曾是深埋土中待发的种子，开出过最艳丽的黑玫瑰，也因失去“养分”而几近枯萎。即使在最暗淡那时收手，他也会在教材的图文和几代人的心中继续活跃。可他身上还有能量，还有继续绽放的梦。
上世纪的他就是风，再怎么自傲，也吹动多少后来者的内心跟随他的指引；40年后的他身陷风中，在秋意渐浓的十月，聚散都不由他——Supreme、兰博基尼...

而临近77岁生日之际，在当下的环境中办秀，“人们说我疯了，”他打趣并补充道，重要的是不要想太多，“我一决定在巴黎办秀便不再担心，做就对了”。再怎么逆着自己曾吹起的风也好，所幸，Yohji-san还在继续前行。或许他想表达的是：不论未来跟谁联名，现在的他也跟几十年前条件不好但拼尽全力的他无二致。即使被燃烧扭曲至灰烬又怎样呢，春风总会到，万物吹又生。

Y：Y’s （支线）

1983年，山本耀司在接受《纽约时报》(New York Times)采访时谈到自己的设计风格时说，“我认为我的男装和女装一样适合女性，当我开始设计时，我就想为女性设计男装向剪裁的衣服。”最近他解释道:“当我1977年开始设计 Y's 的衣服的时候，我只想让女人穿具有男性向剪裁的衣服。我欣然接受了为女性设计外衣的想法。一件优秀的外衣可以保护和隐藏一个女人的身体。我想保护这个女人的身体不受什么污秽东西的伤害——也许是男人不怀好意的打量或者是肆虐的寒风。

Y's：最早成立的品牌，在成立yohji yamamoto后成为支线

yohji yamamoto pour homme:男装主线

yohji yamamoto Costume D’homme:传统风格产品，西装出名，现在市面少见。

Y's for man:定位男士日常服装，主线简化，09年终止。

Y's for man shirts:卖衬衫的

Gothic Homme：哥特风格配饰

Gothic yohji yamamoto：纯银配饰为主。

Y's at work:早期牛仔系列

Y's for living:家具，家居服

yohji yamamoto jeans:高端丹宁支线

Y’SACCS:1986~2001:表类配饰

S’YTE:2011年团队设计，限网络平台贩卖，源于法语意为“与Y's同行”。

REGULATION MEN:2013年于巴黎时装周出现，为热爱自由的男士制作

yohji yamamoto+NOIR:以黑色为主题的服装，风格上给人古典欧美的优雅之感。

B yohji yamamoto：宽松版型，黑色视觉效果为主。

yohji yamamoto PRODUCE:复刻经典系列，标上yohji是倒着的。

yohji yamamoto REPLCA:对经典设计的回溯，仅在日本发售，数量少

Ground Y:高性价比

Y’s bang on:无季节性的系列品牌，Y's "BANG ON!"的名称来自于日语"番号"（发音"Bango"）。山本耀司还为本系列商品书写了阿拉伯数字，并制成印章。在商标商出现的阿拉伯数字都为人工盖章完成。

Pink：2015年延续ys使用的男性元素创造适合现代女性的风格，法式风格女装较多

LIMI feu：女儿山本里美的品牌

Z：zuiying？（嘴硬）

众所周知的是，yohji公司经历过多次破产、重组。山本耀司本人多次在采访中谈及破产的原因：由于他本人只负责设计，运营等方面交由其他人去做。他们扩张得太快，对耀司总是报喜不报忧。但是联系到山本耀司曾经在访谈中说过让男人买单的女人都是碧池这样的名言，破产也不是什么令人出乎意料的事情了：在过去那样年代自己付钱的独立女性不算多，而其中能够欣赏yohji美学又愿意为此支付较为高昂的价格的女性更是少之又少。

不过好在yohji面临破产的消息传播后，各方都向他伸出了援手：94年6月法国授予文学艺术勋章骑士勋章；04年获得紫綬褒章；05年获得法国文学艺术勋章军官勋章；06年英国王室艺术协会授予“名誉皇家设计师”称号；11年获文学艺术勋章司令勋章。

图片，采访及部分文字来源：

Vogue runway

田口淑子《关于山本耀司的一切》

山本耀司《做衣服》

Mascarar_11     《 Yohji Yamamoto：山本·小女孩·耀司》《在Rick Owens和Yohji Yamamoto针下“具有无限潜力”的女装》 《秋意渐浓，人在风中

》 《维利多亚大战山本耀司》《这12场时装秀改变了男装》​​​

成实弘至《作为批评的时尚——所谓山本耀司的样式》

travishenderson（b站）